ジョナサン・アンダーソン/Jonathan Anderson
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Words
あなたも苦しんでモノ作りをしている？ > アンダーソン：そうあるべきだと思っている。もがいて作らなければならないと。常に新しいものを出さなきゃならないからね。
彼にとってファッションショーとは、商業的な場ではなく、実験の場なのである。そのなかでも、彼は最もマッドサイエンティストなのだ。 僕は過去を考えることで、より謙虚になることができました。それはある種のノスタルジーといえるのかもしれません。過去に縛られ続けるべきという意味ではないけれど、歴史から学ぶことはたくさんあります。ファッションはポストモダンの時代を経ましたが、それはアートの世界も同様です。そして今、すべてのクリエイティビティの前に大きな壁が立ちはだかっています。僕らの唯一の好機は、それを乗り越えることです。そのためには、何かを残す必要があると思うんです。 > > 僕は戦うことは嫌いじゃない。生きている実感を得られるから、難局においてこそ良い仕事ができる。ただ、うまく切り抜ければいいということでは決してなく、大切なのはこれから立ち向かっていくという真摯な姿勢なのだと思います もし本当にブランドを始めたいなら、これは生涯の仕事だと覚悟したほうがいい。一時的なものではないし、長い時間がかかる。妥協せず、常に好奇心を持ち、積極的に学び、失敗を恐れないこと。それから思いやりを忘れず、常に地に足をつけておくことが大切
“I’d never done a luxury brand,” he says now. “So I thought, what does ‘luxury brand’ mean today? And I thought it should be cultural, so I started thinking about, really, how can I enrich the brand culturally?”
“How” turned out to be “in multiple ways.” Loewe has taken part in Milan’s Salone di Mobile design fair since 2014. In 2016, also at Anderson’s initiative, the firm established the Loewe Foundation Craft Prize – the first international award for contemporary craft. And changing exhibitions of art drawn from the corporate collection line the walls of the newly re-designed Casa Loewe stores, including works by Helen Frankenthaler, Henry Moore, Lisa Brice and others. “I wanted to put the art in the store because when you go to the store, it doesn’t mean, or it shouldn’t mean, that you have to buy something,” Anderson says. “It can just be an experience.” "どのように"は結局のところ"複数の方法で"であることがわかった。ロエウェは2014 年以来、ミラノのサローネ・デル・モービレ デザイン・フェアに参加してきた。また、2016 年にはアンダーソンの発案により、ロエウェ財団クラフトプライズ – 現代工芸のための国際的な賞 – を設立した。そして新しく改装されたカーサ・ロエウェ店の壁には、ヘレン・フランケンサーラー、ヘンリー・ムーア、リサ・ブライスなどの作品を含む、企業コレクションから選んだ美術作品の特別展示が並べられている。「店に美術作品を置いたのは、店に行ったからといって何か買わなければいけないわけではないし、そうあるべきでもないと思ったからです。それは単なる体験になるはずです」とアンダーソンは言う。
The role of the creative director has changed, and the old idea of luxury no longer exists, according to LOEWE’s Creative Director Jonathan Anderson. Sitting alone, locked away, sketching a collection front to back is a romanticized dream of what it really takes to keep a brand relevant in today’s image-hungry, social media–driven fashion industry. クリエイティブディレクターの役割は変わってきており、ラグジュアリーに対する従来の概念は存在しなくなっているとLOEWEのクリエイティブディレクターのジョナサン・アンダーソンは述べている。一人で、隔離された空間に閉じこもり、コレクションを最初から最後まで描くというのは、今日の画像への飢えと、ソーシャルメディアに駆られるファッション業界の中で、ブランドを意義あるものに保つのに本当に必要とされることのロマン化されたイメージにすぎない。
When I joined LOEWE, I had this thing where I didn’t believe the concept of luxury existed anymore in modern society. I felt it was an odd marketing tool to make people feel interested in elitism. I wanted the stores to feel like domestic spaces slash spaces where you could see things. When we opened the first one in Tokyo, we had chairs by Heal & Son, George Walton. And we had, for example, a four-part series of ceramics from four different generations of the Hamada family. It was this idea that people could go in and see things you would probably see in museums; this idea of how do you build a cultural space? This idea that you could pick up a fanzine for free or you can go and look around. ロエベに入社した時、私は現代社会においてはもはや「ラグジュアリー」という概念が存在しないと考えていました。それは単なるマーケティングツールに過ぎず、エリート主義に人々を引き付けるものだと感じていました。私は店舗が家庭的な空間、そして人々が物事を見られるような空間であるべきだと考えていました。東京に最初の店舗を開店した際は、ヒール&サンやジョージ・ウォルトンのチェアを置いていました。また、浜田家の4 世代にわたる一連の陶磁器も展示していました。これは、博物館で見られるような品々を目にすることができるという理念でした。つまり、文化的な空間をどのように構築するのかということです。さらに、無料のファンジンを手に取ったり、店内を自由に見学したりできるようにしていました。 We did a lot of training with staff in each store to make sure there was a softer approach. It was about letting people sink into the environment.
店舗ごとに従業員に大量のトレーニングを行い、より柔らかなアプローチを取るよう確認しました。その目的は、人々がその環境に溶け込めるようにすることでした。
WW: With that idea that this old version of luxury doesn’t really exist today, do you think that the role of a creative director has changed as well?
クリエイティブディレクターの役割も変わってきていると思います。従来の贅沢の概念が今日では存在していないからです
JA: One hundred percent. In today’s world, brands became brands. They became masters. You look at the biggest brands in the world and they’re multi-billion-dollar brands. It started, I think, in the early nineties. You had this moment where people really became about brand building and what that meant: Why do we buy a product or why do we want to be a part of it?
100%。今日の世界では、ブランドがブランドになりました。彼らは主人公になりました。世界で最も大きなブランドを見ると、それらは数十億ドルのブランドになっています。それは1990 年代初頭から始まったと思います。人々がブランドのビルディングとそれが意味することについて本当に気になるようになった時期があったのです。それは、なぜ私たちがある製品を買うのか、そしてなぜ私たちがその一部になりたいと思うのかということについてです。
It’s a very complex thing now because ultimately you have to think 360—what the logo means to the bag, the master craftsman, the store, the shelving, the stone that the bag sits on. All of this has become something, because ultimately we decided that we were going to take a picture of the world every millisecond.
デザイナーは2018 年には理想郷で働くことはますます不可能になっています。なぜなら、閉じ込められることはできないからです。最終的にはロゴの意味、バッグ、マスタークラフトマン、店舗、棚、バッグが置かれる石など、360 度考える必要があるため、非常に複雑なことになっています。私たちが世界を1ミリ秒ごとに撮影することにしたため、すべてがそのようなものになっているのです。
WW: You’ve also talked about this idea of your role being more like that of an entrepreneur creator and that when you joined LOEWE you were told, “Don’t lose your sense of entrepreneurship” How do you keep that entrepreneurial side of you active? WW: あなたはまた、あなたの役割がより起業家的な創造者のようなものだと話し、LOEWEに参加したときに「起業家としての感覚を失わないでください」と言われたと話しています。あなたはどのようにしてそのような起業家マインドを維持していますか?
JA: My whole theory in life is that the minute you feel like you were there, you’re not there. My feeling is that wherever the bar is, you’ve got to keep moving it up. If you get too comfortable, then you get taken over.
人生における私の理論全体は、あなたがそこにいたと感じる瞬間、あなたはもはやそこにはいないということです。私の信念は、バーがどこにあるにしても、常にそれを上げ続けなければならないということです。もし過剰に安心してしまえば、あなたは抜き去られてしまうのです。
WW: Things are moving incredibly fast and that also makes it difficult to maintain brand loyalty, right?
動きが信じられないほど速く、そのためブランドロイヤリティを維持するのが難しくなっているのですね
JA: I think the problem is that there is no such thing as brand loyalty anymore. People used to buy brands for, like, 20 to 30 years, but you might be lucky if you can get two years.
ブランド・ロイヤルティーは今や存在しないと思います。以前はブランドを20 年から30 年も愛用していましたが、今日では2 年も持ちこたえないかもしれません。
I think you have to build on a very solid platform. I really do believe that there is an importance in this idea of a product that is authentic. I never wanted LOEWE to explode overnight, and I don’t think it has. I think if it had, then you wouldn’t be talking to me right now because it would not be worth talking about.
非常に堅固なプラットフォーム上に構築する必要があると思います。本物の製品というアイデアの重要性を私は本当に信じています。LOEWEを一夜にして爆発的な成功を遂げるようなことは望んでいませんし、そうなったとは思っていません。そうなっていたら、今話しているヒトとは話す価値がないと思うでしょう。
Although differentiated by what Anderson describes as an "angst" at JW Anderson and a "heightened perfection" at Loewe, the two brands share an emphasis on art, design, craft and interiors. アンダーソンがJWアンダーソンに描く「アングスト」とロエベにおける「高度な完璧さ」によって差別化されているが、両ブランドは芸術、デザイン、クラフト、インテリアに重点を置いている。 Anderson feels that for Loewe, the design of stores is sometimes more important than fashion shows.
アンダーソンは、ロウエにとって、ファッションショーよりもストアのデザインのほうが時に重要だと感じている。
"I think stores can be more than just like these commercial vehicles," he said. "I think, for me, the store is just as important as doing a show. It's sort of even more important because they have to last longer."
"私は、店舗がこれらの商業店舗以上のものになれると思います"と彼は言いました。"私にとって、店舗はショーをすることと同じくらい重要で、むしろそれ以上に重要だと思います。なぜなら、店舗は長く続く必要があるからです。"
"I'm in a very lucky position at Loewe where I decide everything," he added. "I have an internal architectural team, but I decide every artwork, I decide every door handle, every fixture."
"ロエベでは自分で全てを決められる非常に恵まれた立場にいる」と彼は付け加えた。「社内に建築チームはいるが、アートワーク、ドアハンドル、フィクスチャーまでも全て自分で決めている。"
In LOEWE, the designer found an immediate kinship. ‘After I’d been there six weeks, what became most important was that the house was way older than anyone still living, and that it was built on some extraordinary skills in craft and making, primarily with leather,’ he says. ‘I visited the Spanish ateliers, and was attracted by something quite genuinely sensuous and soulful that was going on there.’ Anderson began considering what real luxury was about – the answer, he realised, was the pure essence of craftsmanship woven into the fabric of LOEWE’s 175 year-old history.
ロエウェでは、デザイナーが即座に共感を感じた。「そこに6 週間いた後で最も重要だったのは、その家は今でも生きている誰よりも古く、その中にある卓越した工芸技術、特にレザーワークにあると感じたことです」と彼は言う。「スペインのアトリエを訪ねて、そこで行われている真に官能的で心を打つものに惹かれました」。アンダーソンは、真の贅沢とは何かを考え始めた。答えは、ロエウェの175 年の歴史に織り込まれた職人技の純粋な精髄だと悟った。 アンダーソンのクラフトに対する提唱は今日ほど重要になったことはない。COVID-19パンデミックが続く中、その意外な – そして歓迎される – 副作用の1つはクラフト分野の復興である。「この一年を通して、クラフトや制作の概念は今ほど重要なものではなかった」と、アンダーソンはVogue 誌に昨年語った。「それは人々に関わりを持つ。人々が大切だと忘れかけていることの責任と保護を示す。雇用を生み出し、最終的には世代から世代へと受け継がれるものなのだ。」
アンダーソンは2016 年にLOEWE 財団クラフト賞を開始しました。最初に木工芸家のエルンスト・ガンペルルに授与された年間の賞は、現代のクラフトマンシップの卓越性と革新を称え、未来に新たな基準を約束する才能と創造性を持つアーティストを認識します。LOEWE 財団自体も過去 4 年間にわたりCollect アート・フェアに多大な支援を行ってきました。「私はクラフトを収集し、クラフトショーやクラフトギャラリーに行きます。それは私の強迫観念です」とアンダーソンは熱心に語る。「だからLOEWEに加わったとき、もちろんクリエイティブ・ディレクターになることは分かっていましたが、常に自分のことを話す必要はないと思いました。クラフトの芸術、手仕事の考え方を称賛し、そして真に価値があると思うことを周知させたいと思ったのです。」 Anderson once described craft as ‘a three-dimensional antidote’ to online two-dimensional imagery, and, certainly, he has eschewed fashion’s frenzied obsession with hype and the Next Big Thing through his work with LOEWE. ‘Along the way, I’ve gained much more understanding of the relevance of craft practice today as something that transcends the waves of fashion,’ the designer adds, ‘but remains extremely useful and relevant to the world of art, design and imagination.’
アンダーソンは一度クラフトを「オンラインの2 次元的な映像に対する3 次元的な解毒剤」と描写し、確かに彼はLOEWEを通じた仕事から、ハイプと次なる大物への狂信的な執着心から逸脱している。「その過程で、ファッションの波を超越したクラフトの実践の重要性についてより深い理解を得た」と、同デザイナーは付け加える。「しかしそれは、アート、デザイン、想像力の世界にとって極めて有用で関連性の高いものである」。
クラフトをみるということ、ものができる過程が面白い For an eternally forward-looking figure like Anderson, what’s most exciting is how this year’s recurring spirit of opposites attracting—of artists taking a fabulously Frankensteinian approach to everything from theme to material to form—speaks to the future of craft. “I think it lies in technology,” he says. “When you look at TikTok or Instagram, people are fascinated by watching people make things. I think people find it therapeutic. I never thought that technology would have helped this, but I think there is an innate curiosity within society at the moment for us to reconnect with the making process, and understand why we perceive value in something.
This I think is going to help craft ultimately, even if you’d think it would be the opposite.” One can’t help but feel it’s exactly the kind of compelling contradiction that Jonathan Anderson gets off on.
アンダーソンのような永遠に前を向いたフィギュアにとって、最も刺激的なのは、今年の対極的なものを引き付ける精神が語るクラフトの未来である。「それはテクノロジーにあると思います。TikTokやInstagramを見ると、人々が物を作る過程を見ることに魅せられています。私はそれが療養的であると思います。テクノロジーがこれを後押ししてくれると思いもしませんでしたが、私たちが製作プロセスとそこに価値を見出す理由を再び理解しようとする、社会における生来の好奇心があるのだと思います。これがクラフトの最終的な助けになるはずです。反対だと思われていたものが」。ジョナサン・アンダーソンがはまっている魅力的な矛盾そのものだと感じずにはいられない。 ジョナサン・アンダーソン「ロエベ」クリエイティブ・ディレクター（以下、アンダーソン）：私自身もともといろんな“クラフト”を収集していた。さらに「ロエベLoewe」に入った時に、デザイナーであるのと同時に、他の人の仕事をプロモーションしたいと考えた。これまでクラフトに関する有名なプライズで支援するものがなかった。そこでグローバルなプラットフォームを作り、クラフトを愛でる機会を提供し、いろんな人々を応援したいと考えた。 WWD：そもそもクラフトをどう定義付ける？ アンダーソン：1人の人間が一つの領域で、スキルを完璧なまでに身に着けるということ。WWD：クラフトはもともと日常にあったものだが、領域が広がっている。アンダーソン：クラフトは日常生活の一部だと思う。そこには機能があり、使えることはもちろんだが、一方で、目で見ることも機能。でもそれって忘れられがちでしょう？
アンダーソン：私に尋ねるべき質問じゃないかも。だって私はラグジュアリーLuxuryを信じていないから。もはやラグジュアリーは存在していないし、意味が失われたと思っている。それよりは文化に意味を見出している。「ロエベ」は、どんな人に対してもウエルカムな場所であるべきだと思っている。公共施設に行くのと同じようにね。 WWD：そもそもラグジュアリーとは？
WWD：ファッションショーに話を移すと、「ロエベ」のショーは女性像の提案というよりは、見る人の感情に訴えかけているように感じる。ショーをどのように考えているか。
アンダーソン：ショーはエモーショナルなランドスケープ（感情の風景）。人間は常にハッピーでいられないし、ダークサイドもある。闇の一面も見せなきゃと思うし、実際に世界で起こっていることを映すべきだと思っている。ショーは、疑問を呈する場だし、矛盾を表現する場だと思っている。例えば、会場を真っ暗にした2017-18年秋冬では、招待客も消えてしまう（見えなくなる）ことで、「観客は意味がない」ということを表現したいと考えた。また、コレクションをパッケージとして考えていて、ショーはアトラクションのように体験する場と位置付けている。
アンダーソン：私はこれまで完全に機能的な服を作ってこなかった。今、レンジでチンするようなスーパーで買える服で溢れていることが問題だと感じる。つまり、ビジネス的なものばかりになっていて、ファッションにクリエイティビティがなくなってきているということ。時には苦しんだ末に新しいものを作ることが必要だ。 WWD：あなたも苦しんでモノ作りをしている？
アンダーソン：そうあるべきだと思っている。もがいて作らなければならないと。常に新しいものを出さなきゃならないからね。
WWD：コレクションではいろんな“かけら”が連なって一つになっているように感じられる。
アンダーソン：反するもの同士を調和させることで、シーズンの“コンテキスト（文脈、背景）”を出すものを作ろうと思っている。
アンダーソン：いくつものアイデアが集まっていて、それを編集していくなかで削いでいき、この時代、この瞬間に見合ったものにしていく。
WWD：アイデアは常に日常にあるもの？
アンダーソン：私の日記のようなものかな。旅も含めて私の目の前にあるものをつなげている。
JW Andersonは僕自身のとても個人的な旅路だ。僕自身がどんなものを着たいか。それを思い描いて表現するプロセスだ。
僕にとって大切なのは、どうやって息の長いブランドを築くか。近頃は、立ち上げから短時間で巨大ビジネスを狙うから 昨今の「ジェイ ダブリュー アンダーソン」と「ロエベ」のクリエイションに共通しているのは、違和感のあるシルエットだろう。極端にハイウエストだったり、タイトだったり、縦長だったり。それらをシンプルなスタイリングに徹することで、フォームをさらに強調させる。「シルエットは、私が今最もフォーカスしたいクリエイションだ。世の中のファッションの変化も、シルエットに大きな影響を受けてきたから」とアンダーソンは語る。 「私も年齢を重ねて自信をつけると共に、過去に比べてフォーカスしたい点が明確に見えるようになった。今は、シルエットだ」
近年のコレクションでシルエットやフォルムに注力している理由は？>
ジョナサン：今、私がこだわっているのがオフ・シルエット（体から離れたゆったりとしたシルエット）、新しいシルエットに対するアイデアなんです。ファッションはこれまでもシルエットによって変化してきました。なのでフォーカスしていきたいのです JW アンダーソンでもロエベでも、クラフトというのは常に私がこだわる大きなポイントです。イングランドでもほかの国々でも、素晴らしい服を作る人材を確保するように努めています。 最後に、日本の若手デザイナーに向けて一言お願いします。世界で活躍するために必要なことは？
ロエベでのアンダーソンのアプローチに通じるところがある。常に探求を渇望し、時代に応え、周りの世界との対話として服を創造し、すべての人をその旅に誘うのだ。
「ロエベは発見のブランド。僕は未知のキャラクターに惹かれます。時に歴史に埋もれてしまう才能ある人たちを見つけ光を当てたいと考えています」>
「僕の原動力は絶え間ない好奇心。自分や芸術、人に対する好奇心だ。周りの世界を見渡す以上にワクワクすることはない。周りが目に入らないのは、調子が悪いというサインなんだ。顔を上げず、下ばかり見ているということだから。世界はすばらしいものに満ちている。取り入れるものや組み合わせの可能性も無限にある。」 もし本当にブランドを始めたいなら、これは生涯の仕事だと覚悟したほうがいい。一時的なものではないし、長い時間がかかる。妥協せず、常に好奇心を持ち、積極的に学び、失敗を恐れないこと。それから思いやりを忘れず、常に地に足をつけておくことが大切
ブランドをもっとインディビジュアルなものにしていきたいのです。今は消費者と直接対話することができます。製品の問題や人々が望むものについて聞くことができるし、SNSを活用してあらゆる人とコミュニケーションをとることもできる。多くの方法や機会を探りたいと思っていますが、今僕ができるのはデジタルで何かを仕上げること 僕は過去を考えることで、より謙虚になることができました。それはある種のノスタルジーといえるのかもしれません。過去に縛られ続けるべきという意味ではないけれど、歴史から学ぶことはたくさんあります。ファッションはポストモダンの時代を経ましたが、それはアートの世界も同様です。そして今、すべてのクリエイティビティの前に大きな壁が立ちはだかっています。僕らの唯一の好機は、それを乗り越えることです。そのためには、何かを残す必要があると思うんです。
僕は戦うことは嫌いじゃない。生きている実感を得られるから、難局においてこそ良い仕事ができる。ただ、うまく切り抜ければいいということでは決してなく、大切なのはこれから立ち向かっていくという真摯な姿勢なのだと思います。
アンダーソンは、ランウェイにできる限りのアイテムを詰め込み、何が売れるのかをマーチャンダイジングチームとチェックするようなデザイナーではない。彼にとってファッションショーとは、商業的な場ではなく、実験の場なのである。そのなかでも、彼は最もマッドサイエンティストなのだ。 今回、アンダーソンが見せたのは、多くのデザイナーが今シーズンの隠しテーマにしていた無力なミニマリズムではなく、「縮小」というアイデアだ。近年、メンズウェア業界に蔓延していた過剰で複雑すぎるスタイリングへの反撃として、著しい縮小と減少をして見せたのだ。