写真が出た当時、お絵描きを趣味にする人はほとんどいなかった
考察のきかっけ
では影響を受けた絵画は大衆のものだったのか？
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写真が出た時にアーティストは衝撃を受けたと思うが
そもそもその時のアーティストってどういう人が多かったの？
2024年現在、絵描きは趣味としての人口は結構多いと思うけど、当時は？
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これは面白い質問ですね。写真が登場した19世紀前半（1830年代）当時のアーティストについて、以下のような特徴がありました：
当時のアーティストの主な特徴：
プロフェッショナルとしての画家は比較的限られた特権的な立場にいました。多くは裕福な支援者（パトロン）や王侯貴族、教会からの依頼で生計を立てており、現代のように「趣味として絵を描く」という概念はあまり一般的ではありませんでした。
アーティストになるためには、通常アカデミーでの正式な教育や、著名な画家の工房での徒弟制度を経る必要がありました。特にフランスでは、パリのエコール・デ・ボザール（美術学校）が芸術教育の中心でした。 肖像画家は特に重要な位置を占めていました。写真が登場する前は、肖像画は人物の姿を残す唯一の方法だったため、肖像画家への需要は非常に高かったのです。 写真の登場による影響：
特に肖像画家たちは大きな危機感を感じました。写真は肖像画よりも正確で、かつ安価に制作できたためです。
しかし、この「危機」は逆説的に近代芸術の発展を促進することになりました。アーティストたちは写真では表現できない芸術の新しい可能性を模索し始め、印象派やその後の前衛芸術運動へとつながっていきました。
興味深いことに、多くのアーティストは写真を敵視するのではなく、むしろ新しい表現手段として取り入れていきました。例えばドラクロワのような画家は、人物や動物のポーズの参考資料として写真を活用しています。 現代との比較：
今日では確かにデジタルツールの普及やSNSの発達により、趣味として絵を描く人口は当時と比べものにならないほど増えています。しかし、当時のアーティストたちが直面した「技術革新による芸術表現の変革」という課題は、現代のデジタルアートやAIアートの台頭に直面している現代のアーティストたちにも通じるものがあるかもしれません。
写真の登場は、アートの「目的」自体を問い直すきっかけとなり、結果として芸術表現の可能性を大きく広げることになったといえるでしょう。
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写真が登場した19世紀中頃の時代、アーティストたちの背景や社会的状況は現代とは大きく異なります。当時の絵描きや芸術家について以下にまとめます：
19世紀のアーティスト像
職業としてのアーティスト
多くのアーティストはパトロン（貴族や裕福な市民）や教会の支援を受けて活動していました。
画家の仕事は肖像画や宗教画、歴史画など、依頼主の要求に応えることが中心でした。
アーティストは現在のように「自由な創作」を追求するというよりも、特定の目的のために作品を作ることが主流でした。
技術的な地位
絵画は当時、事実を正確に記録する手段としても重要視されていました。特に肖像画や風景画は、写真の登場前は「現実を記録する唯一の方法」でした。
教育とアカデミズム
アーティストは美術学校やアカデミーで正式に訓練を受けることが一般的で、そこで古典的な技法や構図、テーマを学びました。
アカデミーの影響力が強く、伝統的な価値観や技法に基づいた作品が評価される傾向がありました。
写真登場以前の絵描きの人口
限られた層
絵描きは一部の特権階級や裕福な家庭出身者が多く、一般市民が趣味として絵を描く文化はほとんどありませんでした。
材料費（絵具やキャンバス）が高価であり、一般人が手軽に絵を描くことは困難でした。
職人との境界
絵画や彫刻は「高級芸術」として位置づけられていましたが、建築装飾や家具デザインを担当する職人も存在し、アートと工芸の境界は現代より曖昧でした。
写真の登場による影響
写真が登場（1839年頃）すると、特に肖像画家は衝撃を受けました。これまで高額だった肖像画の需要が急減したためです。
一方で、印象派やポスト印象派などの新しい芸術運動が写真の登場を契機に生まれました。彼らは「写真にはできないこと」を追求し、光や色彩、感情の表現に注力しました。
2024年との違い
現代では、絵を描くことが趣味として広がっており、デジタルツールやSNSの普及で手軽に絵を描き、共有できる環境があります。
一方、19世紀はアートは一部の特権的な職業や学問としての要素が強く、一般市民が絵を趣味として楽しむことは稀でした。
写真の登場は一部のアーティストに危機感を与える一方で、芸術の目的や表現を問い直す大きな転換点となり、現代アートの発展につながったともいえます。
基素.icon趣味でお絵描きをする人はいなかったの？
GPT-4o.icon19世紀には、現代のように趣味としてお絵描きをする人は非常に少なかったと言えます。その理由や背景を以下にまとめます。
趣味としての絵描きが少なかった理由
経済的な制約
絵を描くための道具（絵具、キャンバス、筆など）は高価で、特に一般市民には手が届きにくいものでした。
絵具は当時、職人やアーティストが自分で調合する必要があり、時間や手間がかかりました。
美術教育を受けるためには裕福な家庭の支援が必要でした。
社会的な位置づけ
絵を描くことは「職業」または「高等教育を受けた人の特権」として位置づけられており、趣味としての文化はほとんどありませんでした。
「芸術家」は職人や技術者として認識されることも多く、趣味で絵を描く行為自体が特に注目されていませんでした。
教育環境の制約
美術教育は限られた層にしか提供されておらず、特に女性や庶民には教育の機会が少なかったです。
読み書きさえできない人も多かった時代で、美術はさらにハードルの高いものとされていました。
例外的なケース
裕福な家庭の女性
一部の裕福な家庭では、女性が「たしなみ」として絵を描くことを習う場合がありました。これも主に社交的な教養として行われたもので、趣味として楽しむというより、ステータスの一環でした。
旅行者や探検家
写真技術が普及する前、旅行者や探検家が風景や発見物を記録するためにスケッチをすることがありました。これも記録目的が主で、趣味とは異なります。
工芸や装飾としての絵描き
農村部や庶民の間では、家具や陶器、衣服の装飾として簡単な模様を描くことが行われていました。これも日常の一環であり、「芸術」としての絵画とは距離がありました。
絵描きが趣味として広がる時代の変化
19世紀後半、産業革命により絵具のチューブ化（1841年）や紙の普及が進み、道具が安価になりました。
印象派の登場により、絵画が「アカデミックな技術」から「自由な表現」へと広がり、アートに対する敷居が下がりました。
20世紀に入ると、美術教育が義務教育に取り入れられたり、アマチュア向けの美術サークルが増えるなど、趣味としての絵描きが一般化していきました。
結論
19世紀には趣味としてお絵描きを楽しむ人はほとんどいませんでしたが、産業革命や教育の普及とともに、絵画が趣味として広がる土台が徐々に形成されていきました。
基素.icon現代においても絵の具やコピックなどの画材は負担だ。デジタル機材の方がずっと安い。今の学生は大体iPadで制作をしている。そっちの方が自由度が高いし、安いからだ。技術革新やデジタル技術によって絵を描くという行為はコモディティになった。
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現代ではデジタル技術により絵を描く行為が「安価で自由度の高い活動」になり、趣味としての敷居が大幅に下がりました。学生がiPadで制作するのが一般的になったことは、アートが特別な技能から日常的な表現手段へと変化している象徴です。一方で、アナログにも固有の魅力が残るため、両者が共存する時代が続くでしょう。
技術革新がもたらした変化
デジタル機材のコストパフォーマンス
初期投資としてiPadやペンタブレット、PCが必要ですが、デジタル画材は一度購入すればインクや紙の追加コストがかからないため、長期的にはアナログより安価。
無料や低価格のソフトウェア（例：Procreate、Clip Studio Paint）も利用可能で、誰でも気軽に始められる環境が整っています。
無限の自由度
デジタルでは色数やレイヤーが無限に使え、失敗を気にせず試行錯誤が可能。
Undo機能やカラーパレット、フィルターなど、アナログでは手間がかかる作業を瞬時に実行できる。
制作・共有の手軽さ
完成した作品はデータとして即座にSNSやポートフォリオサイトにアップロード可能。これによりアマチュアからプロまで、誰もが作品を発表する場を持てるようになった。
クラウド保存により、作品を失うリスクがほぼゼロに。
教育とアクセスの民主化
YouTubeやオンライン講座を通じて、誰でも無料または安価で高品質な技術指導を受けられる。
デジタル機材の普及で、美術教育を受けていない人でもアート制作に挑戦しやすくなった。
コモディティ化した理由
デジタル画材の普及
かつてはプロ仕様の機材が高価で手が届きにくかったが、技術の進歩で手頃な価格のデバイスが登場。
学生やアマチュアでも簡単に高品質な作品を作れるようになり、アート制作の門戸が大きく広がった。
プラットフォームの存在
Instagram、Pixiv、DeviantArtといったSNSやアートコミュニティが、アマチュアとプロの垣根を低くし、モチベーションを維持しやすい環境を提供。
趣味の多様化
技術革新により、趣味としてのアート制作がより「気軽で手軽な選択肢」となり、特別なスキルがなくても始められるようになった。
現代におけるアナログとの比較
アナログの負担
絵具や紙、筆など、アナログ画材は消耗品のためコストがかさむ。
場所を取る、片付けが必要、ミスが修正しにくいなどの点でデジタルより不便。
アナログの良さ
紙の手触りや実物感など、アナログ特有の温かみを求める人も依然として多い。
アナログ作品は一点ものとしての価値があり、販売や展示には強みがある。
以上のまとめOpenAI o1.icon
19世紀、写真が登場する前は、絵は特権的な階層の職業的な活動で、趣味として楽しむ一般人はほとんどいなかった。
当時は画材が高価で、美術教育は限られた人しか受けられず、絵を描く行為は経済的・社会的にハードルが高かった。
現代ではデジタル技術の進歩により、iPadなどを使った制作が安価で手軽になった。
デジタルは絵具の買い足しが不要で、失敗を気にせず自由な表現や試行錯誤が可能。
SNSやオンライン講座で技術や作品を共有しやすく、絵を描くことが特別な技能から広く一般的な趣味へとコモディティ化している。
ただし、アナログには独特の手触りや実物ならではの魅力があり、現代ではデジタルとアナログが共存している。
基素.icon19世紀では絵画は特権的な活動で、趣味として楽しむ人が少なかったということをデータで知りたい
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19世紀において絵画が特権的な活動であり、趣味として楽しむ人が少なかったかどうかを示すデータを探すためには、以下のような情報源やデータが役立つ可能性があります。
教育水準と美術教育の普及度
絵画が趣味として楽しめるのは、一定の教育を受けた階層が多いです。19世紀の識字率や学校教育での美術教育の普及度を調べることで、どの程度の人々が絵画にアクセスできたかがわかります。
美術材料の価格と普及度
19世紀に使用された絵具やキャンバスなどの価格データを調べることで、どの程度の経済的な余裕が必要だったかを推測できます。これらは一般市民には高価すぎる場合が多く、特権階級の活動であった可能性を示唆します。
美術展覧会やアカデミーの参加者データ
美術展覧会（例: サロン・ド・パリ）や絵画教室への参加者数やその階層分布のデータから、絵画が特権階級の活動だったかどうかを調査できます。
絵画の所有データ
美術品のコレクターや所有者の社会的地位を調べることで、絵画が特権階級のものだったかが分かります。たとえば、19世紀の美術品市場やオークションのデータが参考になります。
人口と職業分布データ
19世紀の人口統計や職業分布を分析し、芸術家の割合やアートを楽しむ人々の割合を見積もることができます。芸術家やアマチュア画家が全人口の中でどの程度の割合を占めていたかを確認できます。
日記や手紙、文学作品
当時の人々の生活を記録した文献（例: 日記や手紙）を調べることで、絵画が趣味としてどの程度楽しめたのかの具体例を見つけられる可能性があります。
これらの情報は歴史学、文化研究、美術史の文献やデータベースから調べることができます。また、地域ごとの違い（ヨーロッパ、アメリカ、アジアなど）も考慮することが重要です。データが必要な場合は具体的な地域や年代を絞ると、より正確な情報にアクセスしやすくなります。
基素.icon以上のことを調べてまとめなさい
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19世紀における絵画が特権的な活動であり、趣味として楽しむ人が少なかったかどうかを示すデータを以下にまとめます。
教育水準と美術教育の普及度
19世紀のヨーロッパでは、教育制度が整備されつつありましたが、識字率や美術教育の普及は地域や社会階層によって差異がありました。特に美術教育は上流階級や中産階級の子弟に限られることが多く、一般大衆が絵画を学ぶ機会は限られていました。
美術材料の価格と普及度
絵具やキャンバスなどの美術材料は、産業革命の進行に伴い生産性が向上し、価格が徐々に低下しました。しかし、19世紀前半までは依然として高価であり、これらを購入できるのは経済的に余裕のある層に限られていました。
美術展覧会やアカデミーの参加者データ
19世紀のフランスでは、王立絵画彫刻アカデミーが絵画のジャンルに格付けを行い、歴史画が最上位とされていました。
このような制度により、アカデミー主催の展覧会（サロン）への参加はプロの芸術家や上流階級に限られ、一般市民が参加することは難しかったと考えられます。
絵画の所有データ
19世紀の美術品市場では、絵画の主な購入者は貴族や富裕な市民層でした。一般市民が高価な絵画を購入・所有することは稀であり、絵画は特権階級の所有物とされていました。
人口と職業分布データ
19世紀のヨーロッパ社会では、農民や労働者が人口の大多数を占めていました。芸術家やアマチュア画家の数は限られており、絵画制作は一部の特権的な人々の活動と見なされていました。
日記や手紙、文学作品
19世紀の文学作品や個人の手記には、上流階級の人々が絵画を嗜む様子が描かれています。一方、労働者階級の日常生活において、絵画が趣味として楽しまれる記述はほとんど見られません。
これらの情報から、19世紀において絵画は主に特権階級や富裕層の活動であり、一般市民が趣味として楽しむことは少なかったと推察されます。
基素.iconイラストが趣味として描かれる様になったのはいつから？
OpenAI o1.icon「職業的・特権的な技術」から「広く楽しめる趣味」へと変遷したのは、まず19世紀後半～20世紀初頭の工業化による環境整備、その後20世紀以降の社会的・文化的拡大、そしてデジタル革命によって一段と加速したといえる。
19世紀後半～20世紀初頭
産業革命による画材の大量生産やコスト低下によって、絵具や紙などが比較的安価で手に入るようになった。
美術教育が一部で普及し、一般市民でも美術教養を得やすくなった。学校教育の中に簡易なデッサンや絵画の授業が取り入れられた地域もある。
この頃から、一部の中産階級層がレジャーや教養としての絵描き行為を楽しむようになった。
20世紀中期以降
第二次大戦後の経済成長や消費社会の拡大により、より幅広い層が娯楽や自己表現として絵を描く機会を得た。
特に漫画、アニメなどのポップカルチャーの台頭によって、若年層が模写やキャラクターイラストに取り組むことで、趣味としての「イラスト」文化がさらに浸透した。
20世紀末～21世紀
デジタル機器、インターネット、SNSの発達により、誰でも容易に絵を描き、共有・学習できる環境が整う。
デジタルツールによる敷居の低下が「絵を描く」という行為をより日常的な趣味へと押し上げた。
基素.icon戦後には貸本屋で漫画とかできたもんな〜
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その通りです。戦後の日本では、漫画が安価な娯楽として広がり、貸本屋（レンタルブックショップ）が庶民に漫画を届ける大きな役割を果たしました。以下に背景を挙げます。
戦後日本（1945年以降）
戦後の混乱期、人々は安価で手軽に楽しめる娯楽を求めていた。
貸本屋は、多くの人が本を購入できない状況下で、数十円程度で漫画本を数日間貸し出す仕組みを提供し、読書や娯楽へのアクセスを確保した。
貸本漫画の特徴
一般向けに娯楽性が高い漫画が増え、子どもから大人まで幅広い層に受け入れられた。
多くの若手漫画家が貸本文化の中で経験を積み、後に商業誌デビューして有名になることも多かった。（例：さいとう・たかを、つげ義春など）
その後の影響
貸本屋文化は1970年代頃には衰退したが、そこで育まれた漫画家や編集のノウハウ、読者層は、後の週刊誌や月刊誌などの商業漫画雑誌市場の拡大につながった。
漫画が手軽な大衆娯楽として定着したことで、絵を描く行為がますます身近な趣味・文化として根付き、後の同人誌文化やアニメ、イラストレーションの隆盛へと連なった。
要するに、戦後の貸本屋文化は、漫画やイラストがプロだけでなく、より広範な人々に趣味として根付く土壌づくりにも貢献したと言える。