居田伊佐雄

戦後映像芸術アーカイブ Postwar Japan Moving Image Archive

@pjmiaofficial

2月のCCJのメンバー向けオンライン上映は、1970年代以降の日本の実験映画史を語る際に外すことのできない重要な作家、居田伊佐雄が登場。伊藤高志が松本俊夫の『アートマン』と居田の『オランダ人の写真』から影響を受けたことは余りに有名。メンバー料金は月5ドル。2/28まで

居田伊佐雄 大回顧展

『Far from the explosive form of fruit』1972/8mm/sound/8分

川の流れと音

露出アンダーのショットに、一瞬、ちょい露出オーバーのショットをインサート（音も、一瞬無音？）

カメラワーク（パン、ズーム）と音を繋ぎまくって世界に振り回される自身を表現と受け取った。

牧野貴さんの初期作を連想。

音のリズム（アタック）が印象的。一瞬無音？ただ別音声に切り替えてるだけ？川の流れの音の時間が飛ぶから？

映像と音、同期してないっぽい

そういう音？途切れ、ノイズがおおい？あえてっぽい。

どうも音の印象が映像に引っ張られているっぽい。

↑読み直してみて、音と映像の関係の感想、かなり怪しいなと…。観直して確かめたいけど観れない。

“There was a time when I was in a field bathed in sunlight, where the murmur of melted snow could be heard. I felt I had become sensation itself, and had a vivid sense of the sights and sounds surrounding me. That is the feeling I wanted to express. Using editing techniques such as turning right, turning left, moving from bottom to top, and varying the length of shots, I tried to build up a picture of the space around me. Although I spliced and edited the 8mm film on tape, there were many parts to edit, and deciding where to cut was the result of trial and error. Because of this, it cost more for the tape used for splicing than for the film and development.” (Isao Kota)

「ある時、私は陽光に照らされた野原にいました。溶けた雪のささやきが聞こえました。自分が感覚そのものになったように感じ、周りの景色や音が鮮明に感じられました。その感覚を表現したかったのです。右に曲がったり、左に曲がったり、下から上に移動したり、ショットの長さを変えたりする編集技術を使って、周囲の空間の絵を作り上げようとしました。8mmフィルムをテープで編集し、スプライスしましたが、多くの部分を編集する必要があり、どこをカットするか決定するのは試行錯誤の結果でした。そのため、編集に使用するテープの費用が、フィルムと現像の費用よりも高くつきました。」

『マリリン・マグダリーン』1972/8mm/sound/9分

エンジン音とモンローの仮現運動

“If you have a lot of photographs of the same person, even if they were taken at different times or in different places, you can combine them through stop motion to make an animation of them moving. It's fun to make them move against their will, and the differences in the elements of each photograph create a kind of intensity. These were my hopes for this work, which I made after realising I had a large number of pictures of the same person. I used techniques like stop motion, reshooting, reshooting of reshooting, chemical discoloration and scrubbing off the emulsion.” (Isao Kota)

「同じ人物の写真がたくさんある場合、それらが異なる時期や異なる場所で撮影されたものであっても、ストップモーションを使ってその人物が動くアニメーションを作ることができます。意図せずに彼らを動かすのは楽しく、それぞれの写真の要素の違いが一種の緊張感を生み出します。これは、同じ人物の写真が大量にあることに気づいた後、この作品に対する私の希望でした。ストップモーション、再撮影、再撮影の再撮影、化学的変色、エマルジョンの擦り落としなどの技術を使用しました。」

『オランダ人の写真(8ミリ版)』1974/8mm/silent/6分

見方、楽しみ方がわからなかった…。

カラーが混じるのが良いとことかな？

“Film is essentially a sequence of still photographs - one photograph is one frame of film. I imagine a single photograph placed on a desk. If I take a photograph of my mind as it is imagining this, I should be able to create a photograph of the photograph on the desk. If I take a photograph of my mind as it is imagining this, I will get a photograph of the photograph of the photograph on the desk. This was what I was thinking when I made the "The Dutchman's Photograph" on 8mm film in 1974, and because there were no limits to how far I could multiply its Russian doll structure, I remade it on 16mm film in 1976.” (Isao Kota)

「映画は本質的に連続する静止画の集まりです。一枚の写真が映画の一コマにあたります。机の上に置かれた一枚の写真を想像してみます。この光景を想像している心を写真に撮れば、机の上の写真の写真を作ることができるはずです。さらに、この光景を想像している心を写真に撮れば、机の上の写真の写真の写真が得られます。これは私が1974年に8mmフィルムで「オランダ人の写真」を作ったときに考えていたことで、このロシア人形のような構造をどこまででも増やすことができたため、1976年には16mmフィルムでリメイクしました。」

『赤信号』1978/16mm/sound/9分

信号機、3点の移動、車、人物の移動に置き換え

音の反復

音と映像のズレ

早く進む車の音+コマ落とし（コマ飛び）でスローな映像＝時間の感覚が狂ったような印象

見直してみたらさしてスローではなかった。映像の反復のせい？

ずっと進めないような感覚

赤、緑、カラーの明滅も印象を与える効果としてプラスされてる？

小説の仮現運動

地図+虫眼鏡、そしてそれで顔を隠した女性の写真＝尋ね人な印象がめちゃくちゃ良く出てて良かった。ぐっとくる。

画質も関係あるかも。フィルム感。

ノスタルジーを含んだ、忘れてしまった何か感。

電話の不通音？もきっと効果大。

電話の呼び鈴もしきりに出てくる。

“This film is assembled from a series of cuts conveying different moods. It is mostly composed of the simple action of seeing images alternately or in succession, such as of scissors cutting against each other, or of the blink of eyes peering through a magnifying glass. I thought of them as being like red, amber and green traffic lights.”

「この映画は、異なるムードを伝える一連のカットで構成されています。主に、互いに切り合うハサミや、虫眼鏡を通して覗く目のまばたきなど、画像を交互に、または連続して見るという単純な動作で構成されています。それらを、赤、アンバー、緑の信号機のようなものだと考えました。」

『満潮』1981/16mm/sound/7分

意図不明だけど音と映像が気持ちいい、センス良い感じ

“Film images are projected when light is emitted from the projector lens and reaches the screen. The projector and the screen are connected by a beam of light. If you block this beam with a white board, images are projected onto it, and these images are a cross-section of the beam of light. The beam is like a Kintaro candy: you can intersect it at any point and the same images will appear. I wanted to make a film that was like staring at this cross-section of the beam of light - like staring at an image that, after being emitted from the projector, is in the process of floating toward the screen.”

「映画の画像は、プロジェクターのレンズから光が発せられスクリーンに到達することで投影されます。プロジェクターとスクリーンは光のビームでつながっています。このビームを白板で遮ると、画像がそこに投影され、その画像は光のビームの断面です。このビームは金太郎飴のようなもので、どの点で切っても同じ画像が現れます。この光のビームの断面を見つめるような映画を作りたかったのです。プロジェクターから発せられた後、スクリーンに向かって浮遊する途中の画像を見つめるような感じです。」

March Members' Viewing: Isao Kota Part 2

(以下の翻訳はCopilotに「居田伊佐雄という実験映像作家の作品解説」という条件で依頼。上はGoogle翻訳)

Isao Kota, Echo (エコー) 1982, 9min, 16mm, sound, color

序盤の夕日に手をかざしてるカットは実際に現場（屋外）で撮ってる？

水面の月は？影だけ後（プロジェクター投影して再撮中に影を入れた）ということだと思うけど…。

“I held my finger between the projector and the screen and filmed while touching the projected object with the shadow of my finger. It's like playing with shadow puppets. The shadow that was originally imprinted on the film and the shadow of the finger or hand held out in front of the projector are both filmed shadows, so they are hard to distinguish. But you can't help but trying to distinguish them somehow. The inclusion of shadows that were not originally there adds a subtle flavor of fiction. I wanted to create a work that allows you to experience the textures - the texture of the water and the frog in the image, and the texture of nature made up of light, shadow and particles.” (Isao Kota)

「私はプロジェクターとスクリーンの間に指をかざし、指の影で投影された対象物に触れるように撮影を行いました。それはまるで影絵遊びのようです。元々フィルムに刻まれていた影と、プロジェクターの前に差し出された指や手の影が一つの映像内で交錯し、区別することが難しいものの、自然に区別しようとする自分に気づきます。そこになかった影が映像に加わることで、わずかな虚構性が生まれるのです。この作品では、水やカエルの質感、そして光と影、粒子で成り立つ自然の感触を観る者に体験してほしいと考えました。」（居田伊佐雄）

Isao Kota, Circuit Meter (回路計), 1983, 16min, 8mm, sound, color

なんだか人間味（？）を感じてけっこう好き。

ラストカットも。（フォーカスが3層（鏡の中の木々、手（が一番ボケる）、奥の林）になっているのが面白かった）

Movies shot on high-sensitivity 8mm film have rough grain, and you can see this grain moving in like a haze on the screen. Oil paintings show the texture of oil paint, and watercolors show the texture of watercolor paint and paper. Movies show the texture of film, and the smaller the area of the film, the larger the grain seems, so its texture becomes more pronounced. The plane that takes off in the film gets smaller and smaller as it moves away, until it becomes smaller than the film grains themselves and is buried in the grains of the blue sky.

高感度8mmフィルムで撮影された映画は、粗い粒子が特徴で、その粒子が画面上で霞のように動くのが見えます。油絵は油絵の具の質感を、また水彩画は水彩絵具や紙の質感を見せてくれます。同様に、映画はフィルムの質感を示します。フィルムの面積が小さいほど、粒子は大きく見えるため、その質感がより際立つのです。映画の中で飛び立つ飛行機は、遠ざかるにつれて小さくなり、最終的にはフィルムの粒子そのものよりも小さくなり、青空の粒子の中に埋もれていきます。

Isao Kota, Big Stone and Small Night (大きな石小さな夜), 1991, 13min, 8mm, silent, color

良かった。

お気に入りの質感を集めた？

編集大変そう

“I created this film using my favourite motifs and techniques - the surface tension of water, the image of night and time permeating the stone, vertical movement in space, and action cutting to transcend distance. I took my time with it, like bonsai or gardening as a hobby. I repeatedly made and remade it, and there were parts I was still unsure of, but I presented it anyway a year later. That's when the filmmaker Kanai Katsu spotted it. I had an idea based on what he pointed out to me, so I remade that part and the work took its final form. Maybe because I enjoyed making it, I'm fond of this work.” (Isao Kota)

「私はこの作品を、自分の好きなモチーフと技法を用いて制作しました。例えば、水の表面張力、石に染み込む夜と時間のイメージ、空間の垂直的な動き、そして距離を超えるためのアクションカットなどです。盆栽やガーデニングを楽しむ趣味のように、時間をかけて制作しました。何度も作り直しては再構築し、まだ確信が持てない部分もありましたが、それでも1年後に発表しました。そのとき、映画監督の金井勝さんがそれに目を留めてくださり、彼が指摘してくれた内容を基にアイデアを得て、その部分を作り直し、作品は最終的な形を取りました。おそらく楽しんで制作したせいもあって、この作品には愛着があります。」（居田伊佐雄）